Credits: Illustration des umgebauten Frachtschiffs MS Evolutie für Museum Tinguely AHOY! © 2021, Museum Tinguely, Basel
Museum Tinguely AHOY! Station: ZERO foundation
28. August 2021 bis 29. August 2021
Zum 25. Jubiläum lichtet das Museum Tinguely, Basel, die Anker und begibt sich im Sommer 2021 auf eine besondere Schiffsreise. Unter dem Titel „Museum Tinguely AHOY!“ macht sich das Museum auf einem umgebauten Frachtschiff auf den Weg und bringt die Kunst Jean Tinguelys (1925 – 1991) von Paris über Antwerpen und Amsterdam durch die Metropolregion Rhein-Ruhr rheinaufwärts bis nach Basel und zurück.
In Düsseldorf macht die MS Evolutie – das rund 40 Meter lange Schiff, das dem Projekt „Museum Tinguely AHOY!“ als fahrender Schauplatz dient – vom 28. bis 29. August 2021 im Medienhafen Station. Düsseldorf war ein wichtiger Bezugspunkt von Jean Tinguely – er stellte mehrfach in der Galerie Schmela aus, 1959 inszenierte er hier den Abwurf seines Manifests „Für Statik“ aus einem Flugzeug. Tinguely pflegte einen künstlerischen Austausch mit Freunden wie Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker. Seine „motorisierte“ Kunst beflügelte einige kinetischen Arbeiten der ZERO-Gruppe.
Ausführliche Informationen über alle Aktivitäten zu „Museum Tinguely AHOY!“ finden Sie auf der Website: https://www.tinguely.ch/de/ahoy
Ausstellung an Bord der MS Evolutie – „Et tout ceci est vrai! Auf den Spuren Tinguelys zwischen Paris, Amsterdam und Basel.“
Die Präsentation nimmt Bezug zu den Stationen der Schiffsreise und geht den Spuren Tinguelys als Künstler, Reisender und Freund nach.
Kurator der Ausstellung: Giorgio Bloch
Online Tickets können über die Website des Museum Tinguely zwei Wochen vorher erworben werden.
Performanceprogramm im ZERO-Haus
Das Programm beinhaltet drei verschiedene Performances, der international renommierten Künstlerinnen Nevin Aladag (DE), Keren Cytter (IS) und Marie-Caroline Hominal (CH). Sie haben je ein neues Stück für das Projekt erarbeitet, die im Bezug zu den vielseitigen performativen Praktiken Jean Tinguelys ebenso wie zu der von ihm angestrebten Verbindung von Kunst und Leben stehen. Die drei Performances werden am Samstag, den 28. August 2021, um 15:00 Uhr, MS Evolutie, um 17:00 Uhr und 18:30 Uhr und 19:00 Uhr, ZERO-Haus, aufgeführt.
Weitere inhaltliche Angaben zum Performance-Programm finden Sie unter:
https://www.tinguely.ch/de/ahoy/veranstaltungen.html
Die Sitzplatzanzahl im ZERO-Haus ist begrenzt. Eine Anmeldung für die Performances von Keren Cytter und Marie-Caroline Hominal mit Angabe Ihrer Kontaktdaten bei Frau Bi – wen.bi@zerofoundation.de – ist daher notwendig. Sie können an den Performances teilnehmen, wenn Sie eine Bestätigungsemail erhalten haben.
Der Einlass zu den Performances und der Ausstellung in der ZERO foundation ist nur möglich durch die Vorlage eines negativen, tagesaktuellen Corona-Tests, den Nachweis über einen vollständigen Impfschutz oder eine Genesung.
Ausstellung im ZERO-Haus
Parallel dazu nimmt die ZERO foundation die Aktivitäten des Basler Museums zum Anlass eine kleine Präsentation von Fundstücken rund um die Beziehung zwischen Jean Tinguely und den Düsseldorfer ZERO-Künstlern zu zeigen. Ein Schwerpunkt liegt dabei auf Tinguelys Präsenz in „ZERO Vol. 3“. Die Zeitschrift feiert 2021 ebenso ein Jubiläum: Sie erschien vor 60 Jahren im Rahmen der Veranstaltung „ZERO. Edition, Exposition, Demonstration“ in und vor der Galerie Schmela am 5. Juli 1961.
Die Ausstellung ist vom 28. bis 29. August 2021, von 15:00 Uhr bis 18:00 Uhr, geöffnet.
Der Einlass zu den Performances und der Ausstellung in der ZERO foundation ist nur möglich durch die Vorlage eines negativen, tagesaktuellen Corona-Tests, den Nachweis über einen vollständigen Impfschutz oder eine Genesung.
Artist-Talk an Bord der MS Evolutie
Die ZERO foundation veranstaltet am Sonntag, den 29. August 2021, einen Talk auf dem „Tinguely-Schiff“. Der in Düsseldorf lebende Künstler Tomas Kleiner, inspiriert von Tinguelys legendären Abwurf seines Manifests „Für Statik“, entwickelte in Anknüpfung sein Projekt „Absprung“ am Düsseldorfer Rheinturm. Die Kuratorin der ZERO foundation, Romina Dümler, diskutiert Trennendes und Gemeinsames in der künstlerischen Praxis. In Erinnerung an Tinguelys legendärer und Mythen umrankter Aktion wird das Gespräch den Bogen der Bedingungen und Ausgangspunkte utopischer Kunst von damals bis heute umspannen.
Anmeldung für den Besuch auf dem Schiff exklusiv für Freundeskreis – Mitglieder der ZERO foundation. Die Einladung erfolgt per E-Mail. Der Talk kann live über den Instagram-Kanal, zero_foundation, mitverfolgt werden: https://www.instagram.com/zero_foundation/
Kunstvermittlung an Board der MS Evolutie
Ergänzend zu einer Ausstellung auf dem Schiff ermöglicht die Kunstvermittlung des Museum Tinguely eine partizipative Auseinandersetzung mit dem Universum des Schweizer Künstlers. Wasser, Klang und Kommunikation – das sind die passenden Themen aus Tinguelys Schaffen, die auch in den kostenlosen Workshops für Kinder, Jugendliche und Erwachsene im Zentrum stehen. Der Workshop „Wassertonfall“ (ab 8 Jahre), bei dem die Teilnehmenden mit Wassergeräuschen experimentieren und Tonaufnahmen kreieren, findet in Düsseldorf auf dem Schiff am 28.08.2021, von 9.30 Uhr-11.30 Uhr, und am 29.08.2021, von 14.30 Uhr-16.30 Uhr, statt. Der Workshop „Flaschenpost“ (ab 6 Jahre), bei dem Briefcollagen gestaltet und auf Reise geschickt werden, findet auf dem Schiff am 28. August 2021, von 14.30 Uhr bis 16.30 Uhr, und am 29. August 2021, von 9.30 Uhr bis 11.30 Uhr, statt.
Weitere Informationen zu den kostenlosen Workshops sowie Anmeldungen (bis 25. August 2021) unter: https://www.tinguely.ch/de/ahoy/kunstvermittlung
Credits: Das umgebaute Frachtschiff MS Evolutie auf dem Rhein vor dem Museum Tinguely © 2021 Museum Tinguely, Basel; Foto: Matthias Willi
AUS DEM FORSCHUNGSPROJEKT
… each grows stronger when nourished by the other (György Kepes)
Interview mit Christoph Thormann
„Sehen, Hören und Fühlen – Phänomene in Natur, Wissenschaft und Kunst“ – diesem Thema schenkt die ZERO foundation weiterhin ihre Aufmerksamkeit. Das historische Wissen aus der ZERO-Zeit wird zum Input und Auslöser neuer Kunstprozesse.
Die künstlerischen Praktiken der Teilnehmer*innen sind ebenso vielfältig wie ihre Bezüge zur ZERO-Kunst. An dieser Stelle möchten wir Ihnen die Teilnehmer*innen gerne im monatlichen Wechsel vorstellen.
Christoph Thormann wurde 1991 in Düsseldorf geboren. Von 2012 bis 2014 studierte Christoph an der International School of Design in Köln und machte eine Ausbildung zum 3D- Visualisierer. Seit 2017 studiert Christoph an der Kunstakademie in Düsseldorf bei Dirk Skreber.
Rebecca Welkens: In den 1950er und 1960er Jahren gab es einen regelrechten Technik-Boom, von dem die ZERO Bewegung stark beeinflusst und mitbestimmt wurde. Was bedeutet Technik für deine Arbeit und kannst du Parallelen zwischen ZERO und deiner eigenen Arbeit ziehen?
Christoph Thormann: Die Arbeiten von der Gruppe ZERO waren für mich immer schon von besonderer Bedeutung, da ich in Düsseldorf geboren und aufgewachsen bin. Die ZERO-Kunst ist in Düsseldorf allgegenwärtig. Auch die Technik umgibt uns überall in unserem Alltag. Seit es den Homo sapiens gibt, hat er*sie Dinge erfunden und somit die Zwänge der Natur überwunden. Doch je mehr wir die Natur beherrschen wollen, desto weiter entrückt sie uns. Technik ist selbstverständlich für uns geworden, wobei Natur zu etwas Abstraktem wird. Wenn man sich allerdings Malerei anschaut, geht man nicht davon aus, dass diese maschinell hergestellt wurde. An dieser Schnittstelle von ‚digital‘ zu ‚analog‘ arbeite ich. Damit will ich die zunehmende Technologisierung zu meinem Thema machen und kritisch die Frage nach dem Vorteil von Maschinen und dem Sinn von Arbeit stellen. Denn umso mehr wir das überwinden, was uns als Bedrohlich scheint (Natur), um so mehr wird unser eigenes Tun zur Bedrohung. Die ZERO-Bewegung wollte einst einen Neuanfang etablieren und die Weltkriegskunst hinter sich lassen. Mit meiner fiktiven Firma, Heart-Working™ habe ich mir zum Ziel gesetzt, Kunst zu machen, die eine neue Ästhetik erschafft, indem ich vor allem auf Automatisierung setze und auf Selbstbestimmung weitestgehend verzichte. Als Vorbild für meine Maschinen dient mir u.a. Yves Tinguely mit seinen Meta Matic-Zeichenmaschinen, mit deren Hilfe er die abstrakte Malerei kritisch beleuchtet und Betrachter*innen in den Gestaltungsprozess mit einbezogen hat.
Du hast zuvor Design studiert – inwiefern beeinflusst das Studium deine Kunst und inwiefern machst du deine zuvor erworbenen Kenntnisse für deine Kunst nutzbar?
Als Vorbereitung auf das Kunststudium habe ich erst in einer Schreinerei gearbeitet und dann Design studiert. Die Schnittstelle von Kunst und Design wird immer größer – da setze ich mit meinen Arbeiten an. Den Bezug zu den Neuen Medien sieht man deutlich in meinen teils stark reduzierten Grafiken, die ich hauptsächlich mit Maschinen herstelle.
Wie sieht deine Arbeitsweise in Hinblick auf Roboter aus? Wie entstehen sie und was können sie?
Ich zeichne theoretisch am Computer, übersetze das in Maschinensprache. Die Maschinen programmiere ich selbst, indem ich Codes verwende, die auch im Internet frei zugänglich sind. Ich passe die Codes dann an meine Vorstellungen an, sodass die Maschine schneller oder langsamer fährt, mehr oder weniger Öl ausgibt. Die Maschinen, mit denen ich arbeite, sind CNC-Maschinen, die auch in Schreinereien zum Löcher Bohren und zum Ausschneiden verwendet werden. Es handelt sich nicht um vielseitig bewegliche Roboter, sondern Geräte, die hoch und runter, links und rechts fahren können. Dennoch habe ich für die Fertigung der ersten Maschine knapp drei Jahre gebraucht, sodass sie mit Öl drucken kann und Acryl sprüht. Andere wiederum sind mittlerweile so umfunktioniert, dass sie beispielsweise auch Radierungen anfertigen. Ich überlege immer vorher, was ich gerne hätte und die Maschine setzt es dann um. Es ist wenig Zufall in der Umsetzung, sondern alles sehr geplant. Während des Prozesses gibt es aber immer für mich die Möglichkeit einzugreifen, beispielsweise spontan die Achse zu blockieren – die rattern dann und es entsteht ein Versatz im ganzen Bild. Für die Zukunft wäre es für mich spannend mal einen maschinellen Roboterarm zu programmieren. Generell würde ich zukünftig gerne mehr in Richtung Performance von Maschinen und Rauminstallation gehen.
Hast du dir vor dem Bau der Maschine genau überlegt, was sie umsetzen soll oder kamen dir die Ideen zu Umsetzung spontan?
Ich wollte immer eine Maschine bauen, die Öl auf Leinwand drucken kann. Die ursprüngliche Idee kam durch Plotter, die im Architekturkontext verwendet werden und mit denen technische Zeichnungen auf verschiedenen Materialien dargestellt werden können. Zuerst wollte ich einen eigenen, großen Plotter selbst bauen, um fotorealistisch Öl auf Leinwand zu drucken. Für fotorealistische Umsetzungen bräuchte man aber mehrere Farben, die dann Raster bilden, die ein Bild ergeben – wie beim Siebdruck. Die Idee habe ich nicht verworfen, habe aber nach Vollendung der Maschine zunächst ein Raster gedruckt. Dieses Raster fand ich ästhetisch sehr interessant und ansprechend, weil es nahezu perfekt ist, dennoch an manchen Stellen mehr Öl gedruckt hat, an anderen weniger, somit die Größe der Kästchen variierte und das wiederrum eine schöne Struktur ergab. So bin ich dann erst mal bei den Rastern geblieben.
Deine Herstellungsmethoden sind, wie du beschrieben hast, sehr vielseitig und umfassen neben der klassischen Malerei und verschiedenen druckgraphischen Techniken auch Roboter als Hilfsmittel. Inwiefern greifen die Methoden ineinander, werden kombinierbar?
Ich mache keine Malerei mehr im klassischen Sinne, sondern erwecke nur den Eindruck, dass sie von Menschenhand ist. Die Methoden der klassischen Malerei sind der Technologie untergeordnet und bedienen sich lediglich der jeweiligen Technik, z.B. Radiernadel und Kupferplatte.
Wo verortest du dich in diesem Schaffensprozess, der auf den ersten Blick ja eigentlich wie ein stufenweises Abrücken vom Künstler als schöpferisches Subjekt erscheint?
Ich denke nicht, dass die Nutzung von Maschinen ein Abrücken vom schöpferischen Prozess ist. Es ist nur eine neue Möglichkeit, Ideen umzusetzen wie einst die Fotografie. Bei der Fotografie funktioniert die Kamera auch nur mit dem Menschen und nicht jeder Fotograf macht gleich Kunst. Ich denke, dass Technik je nach Anwendung nicht mehr von Kunst zu trennen ist. Das romantische Bild vom Künstler*in an der Staffelei ist überholt, was man beispielsweise bei den hochpreisigen Versteigerungen der Non-Fungible Tokens (NFT) bzw. Krypto-Kunst sieht.
Bleiben wir noch kurz bei deinen Werken. Wie beziehst du die Betrachter*innen mit in deine Werke ein? Welche Rolle spielen sie für deine Werke?
Meine Werke sind Spiegel der heutigen Medien und entziehen sich der gewöhnlichen Sehgewohnheiten. Im Idealfall haben Betrachter*innen für einen Moment Spaß, lassen das Werk auf sich wirken und kommen somit für einen Moment zur Ruhe. Die größte Faszination geht allerdings von den Maschinen bei der Arbeit aus und sobald man sich mehr mit meiner Arbeitsweise und dem Einsatz der Maschinen auseinandergesetzt hat, laden die eher abstrakt wirkenden Kunstwerke zur näheren Betrachtung ein und auch zur Reflexion. Deshalb würde ich gerne die Arbeit der Maschinen im Rahmen einer Ausstellung bzw. Performance präsentieren.
Du beschäftigst dich auch mit Fragen zur künstlichen Intelligenz (KI) – wie sieht diese Auseinandersetzung aus und welche Fragestellungen ergeben sich für deine Kunst?
Bis jetzt mache ich nur Linien und Raster und beschäftige mich mit KI hauptsächlich in der Theorie. Ich möchte meine Werke mit mehr Komplexität aufladen, ohne dass ich selbst immer wieder eingreifen muss. Ich stelle mir das so vor, dass man verschiedene Formen hat und die KI setzt sie dann einfach zusammen, sodass auch mehr Zufall in den Schaffensprozess einfließt. Dafür reicht dann vielleicht letztlich schon ein Zufallsgenerator, damit Muster entstehen, die nicht von mir kommen.
Insbesondere in Bezug auf KI sind Erinnerungen ja besonders spannend, bedenkt man beispielsweise die Arbeiten des englischen Künstlers Matt Collishaw, der KI einsetzt, um die Vergangenheit in gewisser Weise zu rekonstruieren und Leerstellen zu füllen, Erinnerungen also wieder auferstehen zu lassen. Welche Rolle spielen Erfahrung und Erinnerung in deiner Kunst?
Ich glaube, in meiner Kunst sieht man Erfahrung und Erinnerung nicht unbedingt und beides spielt vielleicht auch keine allzu große Rolle. Ich sehe persönliche Erfahrung und Erinnerung vielmehr als Wegbereiter für meine Kunst. Ich denke da beispielsweise an meine frühe Faszination mit Bildbearbeitungsprogrammen, die viel mehr Möglichkeiten zur Bearbeitung einer Fotografie bieten. Dabei bin ich letztlich auch immer geblieben, finde es aber sehr schwer, nur digitale Kunst zu machen. Deshalb gibt es bei mir immer den Versuch, mithilfe der Maschine das Digitale ins Analoge, also auf die Leinwand, zu übersetzen. Ich denke, es ist nett, ein Bild nur digital zu besitzen, wie am Beispiel der NFT’s sichtbar wird, aber es ist nicht Reales, nichts, was ich anfassen kann, sondern wirklich nur eine Datei. Diesen Schritt versuche ich zu überspringen, indem ich die Datei auf die Leinwand übersetze. Es gibt auch zahlreiche andere Künstler*innen, die ebenfalls mit Maschinen zeichnen, aber meist wird versucht, Menschen zu imitieren. Ich versuche hingegen, mich auf die Maschine einzulassen und darauf, was die Maschine kann. Ich handle also vielmehr als Assistent der Maschine während des gesamten Prozesses.
Das Thema KI ist recht ambivalent, weil man auf der einen Seite natürlich immer von Automatisierung, Digitalisierung etc. und der damit verbundenen Sorge der Überflüssigkeit menschlicher Arbeitsprozesse spricht – löst der Roboter nun auch in der Kunst den Menschen ab? Wie stehst du dazu?
Ich bin mir sicher, dass Roboter uns in Zukunft noch mehr Arbeit abnehmen werden. Allerdings ist unsere Gesellschaft schlecht darauf vorbereitet. Wir befinden uns in einem System, was darauf ausgerichtet ist, dass man Geld verdienen möchte oder muss, um seine Träume zu erfüllen. Dabei werden aber immer mehr Jobs werden von Maschinen übernommen, dennoch im Gegensatz dazu wenig Weiterentwicklung im Bildungsbereich. Das sehe ich sehr problematisch, denn es wird immer mehr auf Technologien gesetzt, aber wenig darüber nachgedacht, welche Konsequenzen dies für unsere Gesellschaft hat. In der Kunst denke ich, dass Roboter zwar heute schon mit KI Kunst herstellen können, aber den Menschen nicht ersetzen können und Kunstformen wie Malerei uns immer erhalten bleiben.
Wie sieht für dich die Zukunft der Kunst aus und vor allem in Hinblick auf die neuen Technologien?
Ich denke, dass mehr Kunst konsumiert wird, was aber nicht bedeutet, dass mehr Kunst gekauft wird. Es wird wichtiger etwas zu erschaffen, was nur in der Realität gut funktioniert. Kunst muss – wie einst schon bei ZERO – erlebbar gemacht werden. Werke müssen betrachtet werden, unter echtem Licht, da reicht nicht nur ein bloßes Foto. Um meine Maschinen kann man auch herumgehen, sie machen Geräusche bei der Arbeit, man kann verschiedene Blickwinkel und Perspektiven einnehmen – das geht komplett verloren im digitalen Raum. Ich denke, für die Zukunft wird es, unter den jetzigen Bedingungen, wichtiger denn je, dass wir wieder von den Bildschirmen wegkommen und Dinge wirklich sehen.
Lieber Christoph, vielen Dank für das spannende Interview!
Bei diesem Projekt wird die ZERO foundation durch ein Forschungsvolontariat von Seiten des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen Kooperationspartner konnte die Stiftung das MIT Museum Studio und Compton Gallery des Massachusetts Institute of Technology in Cambridge, MA, USA, sowie die Staatliche Kunstakademie Düsseldorf gewinnen. Es wurden sechs Künstler*innen der Akademie zu der internationalen Zusammenarbeit eingeladen: Margareta Bartelmess, Till Bödeker, Sean Mullan, Johannes Raimann, Christoph Thormann. Das Projekt wird von der E.ON Stiftung gefördert.
